Con Parsifal come apertura e Carmen come spettacolo conclusivo, la stagione 25/26 dell'Opera Ballet Vlaanderen si preannuncia particolarmente speciale: insieme al pubblico andremo alla ricerca della forza rituale dei grandi racconti. Il direttore artistico Jan Vandenhouwe spiega: «Le persone sentono il bisogno di rivivere collettivamente queste storie. Vogliamo sentire insieme, riflettere insieme e porci delle domande.» L'intervista.
Cominciamo con Parsifal di Richard Wagner. Non solo per Lei, ma per tutta l'Opera di Anversa, si tratta di un’opera speciale.
«L'Opera Ballet Vlaanderen ha una lunga storia con Parsifal. L’opera ad Anversa è stata uno dei primi luoghi in cui fu rappresentata fuori da Bayreuth. L’acustica qui è perfetta per Parsifal. Da ciò è nata una vera e propria tradizione Parsifal, che è proseguita per decenni: ogni anno l’opera era in programma durante la Settimana Santa. Con la fondazione dell’Opera Fiamminga nel 1981 e la fusione tra Gand e Anversa, quella tradizione è terminata. Ma i successivi direttori artistici Marc Clémeur e Aviel Cahn hanno ognuno presentato un proprio Parsifal. Ora è di nuovo tempo per un nuovo Parsifal.»
Cosa rende così speciale Parsifal?
«Parsifal è l’ultima opera di Wagner, il suo testamento musicale, in cui raggiunge una padronanza assoluta. Allo stesso tempo è una delle sue opere più controverse, e quindi non si finisce mai di esplorarla. Si può interpretare in tanti modi diversi. Ogni epoca merita il proprio Parsifal.»
Ha affidato la regia alla tedesca Susanne Kennedy.
«Sono molto felice che siamo riusciti a convincerla a dirigere da noi la sua prima opera wagneriana. In precedenza, aveva portato in scena Einstein on the Beach di Philip Glass per il Theater Basel. Susanne Kennedy è una delle registe più importanti in Germania e, per estensione, in Europa. Parsifal è l’opera perfetta per lei, se si conosce il suo percorso. Molti dei temi presenti nel suo lavoro – il rituale, il totale controllo del tempo, il mistico e l’esoterico, la grande stratificazione – caratterizzano anche Parsifal. Inoltre, in Parsifal, Wagner spinge i mezzi teatrali fino al limite, rendendola quasi un’installazione d’arte. Susanne Kennedy collabora da alcuni anni con l’artista visivo e video Markus Selg, che è anche suo compagno di vita. Proprio come Wagner, anche loro fondono arte e teatro in un travolgente Gesamtkunstwerk. Ciò che più mi affascina nella lettura di Susanne Kennedy è che prende completamente sul serio il nucleo della storia di Parsifal – la ricerca di una verità interiore.»
Cosa intende con questo?
«Parsifal ha le sue origini nei racconti medievali cristiani, che a loro volta affondano le radici in miti ancora più antichi. Lo scrittore del XII secolo Chrétien de Troyes scrisse il primissimo romanzo del Graal, Perceval ou le Conte du Graal, proprio a Gand, mentre lavorava per Filippo di Fiandra, il conte che fece costruire il Gravensteen. Parsifal parla di un giovane inesperto che si confronta con un re sofferente, ma non gli pone alcuna domanda. Non mostra empatia e viene punito severamente per questo. Seguiamo poi la sua ricerca, un viaggio nel mondo esterno che è in realtà soprattutto un viaggio interiore. Fino a quando giunge a uno stato superiore di coscienza ed è in grado di mostrare compassione. Mitleid è anche un motivo ricorrente in Wagner, che vide importanti connessioni con il buddismo e altre tradizioni esoteriche. Ciò che rende speciale Susanne Kennedy è che abbraccia tutto questo. Torna alle origini arcaiche del teatro e crede realmente nell’opera come rituale collettivo. Cerca di coinvolgerci – proprio come Wagner, ma con le forme artistiche tecnologiche e digitali di oggi – in un’esperienza collettiva. Ci fa partecipare, insieme agli interpreti e ai cantanti sul palco, a quel rituale, compiendo così un viaggio interiore comune.»
Parsifal non pone domande. È per questo che questa brochure è piena di domande tratte dagli spettacoli?
«Porre una domanda significa mostrare coinvolgimento verso l’altro. Credo fermamente che questo sia più importante che mai, in un’epoca dominata dai social media in cui le persone cercano principalmente la conferma delle proprie idee. Il non-sapere è il tema centrale di questa stagione. Vogliamo porre domande sincere, suggeriteci dalle storie che portiamo in scena. I grandi capolavori continuano a interrogarci. Notiamo da tempo che il pubblico è alla ricerca di questi classici. I concerti classici vendono molto bene, così come gli spettacoli che raccontano grandi storie. In tempi incerti e confusi, in cui tutti sono lasciati a sé stessi, le persone sentono il bisogno di rivivere collettivamente queste storie. Vogliamo sentire, riflettere e porre domande insieme, ed è proprio questo il senso dei rituali.»
La produzione centrale di balletto – con Le Sacre du printemps, Boléro e La Valse – ha come titolo complessivo Rites.
«Il rituale più famoso nella storia del balletto è senza dubbio Le Sacre du printemps di Igor Stravinsky. Lo presentiamo nella versione fenomenale di Pina Bausch. È uno spettacolo duro e spietato, in cui temi come la pressione del gruppo, il sacrificio e la violenza sulle donne vengono elevati a un livello esistenziale. Pina Bausch partiva dalla radicale esperienza delle emozioni. L’esaurimento fisico dei danzatori è reale, non solo “recitato”, e per questo noi spettatori veniamo totalmente trascinati dentro. Anche Boléro di Maurice Ravel è un grande rituale, ma mostra piuttosto la forza della coesione. Il giovane coreografo Shahar Binyamini vuole opporsi a un mondo pieno di divisioni e guerra. Il suo Bolero X è una coreografia coinvolgente ed elettrizzante con cinquanta danzatori.»
E La Valse, sempre di Ravel, diventa invece un piccolo rituale. E c’è un legame speciale con l'opera di Anversa...
«Esatto. Per molto tempo si è pensato che La Valse fosse stata creata a Parigi, ma da lettere di Ravel è emerso che una coreografa dell’allora balletto dell’opera di Anversa fu la prima a coreografarla esattamente cento anni fa. Celebriamo quell’anniversario con Nacera Belaza, una coreografa franco-algerina che creerà un’intima solo. Rites sarà una serata bella e coerente con musica splendida – tutti e tre i balletti hanno partiture magnifiche – e le presenteremo con orchestra dal vivo.»
Anche Benjamin Abel Meirhaeghe parte da quel famoso Sacre du printemps, ma ne fa una creazione tutta sua, intitolata a rite of spring.
«Conosciamo Benjamin Abel Meirhaeghe per A Revue e collaboriamo con lui nella nostra sezione Vonk. Insieme al batterista Lander Gyselinck si cimenta in una nuova creazione di Le Sacre du printemps, partendo però dalla coreografia originale di Vaslav Nijinsky. Le domande che si pone sono: come si porta nel futuro un balletto così iconico, come si sfrutta il potenziale radicalmente innovativo che ancora contiene? Benjamin vuole sviluppare un nuovo rituale con i performer, mettendo il corpo femminile al centro.»
Questo ci porta direttamente alla coreografa Florentina Holzinger e al suo spettacolare spettacolo SANCTA.
«Florentina Holzinger è una delle coreografe più stimolanti di oggi e sono felicissimo che porti SANCTA da noi, con i suoi performer e con il nostro coro e orchestra. Lo spettacolo è già stato presentato in grandi festival e teatri d’opera rinomati, e il pubblico è sempre entusiasta. Holzinger prende spunto da un atto unico di Paul Hindemith, Sancta Susanna, per mettere in discussione i rituali della Chiesa cattolica. In essa comandano gli uomini, e le donne sono ridotte a peccatrici. In SANCTA si liberano da colpa e vergogna. Insieme rivendicano la liturgia in una grande festa liberatoria. Anche il genere operistico non è un tabù: Florentina Holzinger rompe ogni schema e mescola in modo brillante alta e bassa cultura. Il risultato è uno spettacolo ibrido in cui danza e opera si fondono.»
Anche Carmen, la produzione finale, è una produzione ibrida.
«Carmen sarà la produzione più grande mai realizzata da noi, con coro, coro di voci bianche, balletto e orchestra. Coreografo e regista è Wim Vandekeybus. Presenta Carmen come un mito senza tempo, lontano dal folclore spagnolo. Torna alle radici archetipiche e quasi rituali della storia. Pensa al tema delle corride, che sono un rito d’iniziazione. Vandekeybus punta sulle contrapposizioni fondamentali del racconto – uomo contro donna, libertà contro convenzione – in un modo molto fisico. È un coreografo che spinge sempre i suoi danzatori al limite. Sarà interessante vederlo alle prese con un’opera vitalistica come Carmen. Sono molto curioso del risultato.»
Anche il Don Giovanni di Mozart tratta la lotta tra i sessi. Cosa possiamo aspettarci dal regista Tom Goossens?
«Don Giovanni è uno dei pochi miti che l’Europa ha prodotto in epoca moderna, insieme al Faust. Faust parla della ricerca della conoscenza, Don Giovanni della dissolutezza, del peccato, della carne. Già nelle prime battute Don Giovanni violenta una donna e poi uccide suo padre, eppure emana un’enorme seduzione. Tom Goossens vuole esplorare attraverso il gioco teatrale perché questa storia continua a ossessionarci. Allo stesso tempo la attualizza, ai nostri tempi di #metoo e cancel culture. Insieme agli attori e al pubblico vuole chiedersi se esiste una via d’uscita per Don Giovanni. Ogni sera viene condannato all’inferno: è possibile rompere quel ciclo eterno? È possibile una seconda possibilità?»
Per gli amanti della musica, la stagione 25/26 sarà davvero ricca, con Don Giovanni, Parsifal, Carmen e Nabucco in cartellone.
«Esatto, portiamo capolavori assoluti dei quattro grandi compositori d’opera: Mozart, Wagner, Bizet e Verdi – nel cui Nabucco la regista e cineasta brasiliana Christiane Jatahy svela una storia senza tempo su migrazione, identità ed estremismo. Anche nelle nostre produzioni di balletto si potrà godere di musica meravigliosa. Il coreografo greco Christos Papadopoulos porterà il suo OPUS su Die Kunst der Fuge di Bach. Nella seconda triple bill del nostro balletto, la musica di Bach sarà eseguita dal vivo: in Love & Loss il nostro corpo di ballo presenta tre commoventi coreografie in una sola serata. Anne Teresa De Keersmaeker rielabora la sua coreografia sulla seconda suite per violoncello di Bach, scritta – si pensa – dopo la morte della prima moglie di Bach. Inoltre, in programma anche il commovente Quintett di William Forsythe, una struggente lettera d’addio alla moglie in fin di vita.»
Il 2025 segna l’ultimo anno del direttore musicale Alejo Pérez alla guida dell’OBV. Dirigerà Parsifal.
«Non c’è opera più adatta per coronare i sei anni trascorsi con noi che Parsifal, in cui tutte le sezioni musicali della nostra casa – orchestra, coro e coro di voci bianche – si uniscono. Wagner, insieme a Richard Strauss, è il cuore del repertorio di Alejo. È il modo migliore per concludere in bellezza. Alejo eccelle con la sua lettura analitica e raffinata della musica. Ha la straordinaria capacità di far emergere la modernità dalle partiture. Amici e critici concordano: l’orchestra è solo migliorata negli anni in cui ha diretto. È quindi più che meritato che Alejo diriga, oltre a Parsifal, anche un concerto d’addio con Das Lied von der Erde di Mahler e la Sesta di Beethoven, la Pastorale.»
L’opera di Gand chiuderà temporaneamente a gennaio 2026, ma ci saranno alternative allettanti per il pubblico di Gand.
«Assolutamente. Porteremo il balletto al Capitole e concerti a De Bijloke e alla MIRY Concertzaal. Inoltre, Carmen sarà rappresentata al Concertgebouw di Bruges e, in collaborazione con l’Opéra de Lille, presenteremo a Lille L’Affare Makropoulos, nella splendida regia dell’ungherese Kornél Mundruczó, creata qui nel 2016. Janáček racconta di una donna che, grazie a una pozione alchemica del padre, non può morire. Vediamo davanti ai nostri occhi quanto possa essere terribile la vita eterna. E questo ci riporta di nuovo a Parsifal e al personaggio più enigmatico: Kundry. Ha riso delle sofferenze di Cristo e per questo è stata punita. Anche la sua maledizione è quella di rinascere continuamente.»
Per concludere, torniamo da dove siamo partiti: Parsifal e Carmen. È interessante che il filosofo Nietzsche vedeva queste due opere come assoluti opposti e ne scrisse con fervore.
«Nietzsche fu a lungo il più grande ammiratore di Wagner e molta della sua filosofia nacque in dialogo con lui. Wagner fu senza dubbio la persona più importante della sua vita… finché litigarono. Nietzsche vide in Parsifal un’inchino di Wagner alla fede cattolica. Mentre in Tristano e Isotta aveva ancora messo in musica il corpo, il desiderio e l’istinto, ora scriveva un’opera su un gruppo di uomini devoti alla castità! Secondo Nietzsche, Parsifal era un’opera malata, contro la vita, mentre Carmen era puro ritmo e vitalità. Lì c’erano persone vere, con emozioni vere, che si lasciavano andare alla passione. Eppure, Nietzsche ha anche detto che l’ouverture di Parsifal era la cosa più bella che avesse mai sentito… Trovo quindi ancora più affascinante presentare queste due opere, che un tempo erano viste come opposte, nello stesso cartellone, all’inizio e alla fine della stagione.»
