THE OTHER PLACE al Grand Théâtre di Lussemburgo. Una tragedia moderna che ti prende per mano e non ti molla più

 

Left to right_ Ella Bruccoleri (playing Annie), Imogen Elliott (Issy), Alicia Charles (Erica) and Nick Fletcher (Chris) in the European touring production of The Other Place. Photo credit_ Martin Argyroglo for A Z

C'è una cucina. Una casa borghese come tante, con il suo tavolo, le sue sedie, il giardino fuori. In fondo al giardino, una tenda. Da questa immagine semplice, quasi banale, Alexander Zeldin costruisce una delle tragedie più potenti e umane degli ultimi anni. In scena al Grand Théâtre di Lussemburgo il 1 e 2 ottobre, The Other Place è un pugno nello stomaco che arriva piano, con la forza dei grandi dialoghi.

Commissionato dal National Theatre di Londra, lo spettacolo nasce da un'idea spiazzante che Zeldin racconta nell'intervista di Igor Hansen-Løve al Festival d'Automne: trasporre le lotte di potere dell'Antigone di Sofocle dentro un nucleo familiare contemporaneo. Creonte diventa il padre, o meglio, lo zio. Antigone diventa Annie.

La trama è solo apparentemente intima: Annie torna a casa anni dopo, nell'anniversario del suicidio del padre Adam. Ad aspettarla la sorella più giovane Issy, che ha sempre protetto, e lo zio Chris - fratello del defunto, che ha preso il ruolo di figura paterna e ha ristrutturato la casa per andare avanti - con la moglie Erica. Il passato però si rifiuta di restare sepolto. Il ritorno di Annie rompe un equilibrio fragilissimo e chiede giustizia per vecchie ferite, costringendo tutti a confrontarsi con lutto, colpa e rancori mai detti.

Quello che colpisce è la scrittura e la recitazione.

Zeldin ha scelto qui le regole ferree della tragedia classica: unità di tempo, luogo e azione. Tutto accade in 24 ore.

Una costrizione che diventa virtuosismo. "È difficilissimo scrivere. L'unità di tempo esige un'economia di parole e una grande precisione. Nulla deve essere lasciato al caso", confessa. E si sente.

I dialoghi sono cesellati, veri. Non c'è una battuta fuori posto. Il cast li rende con naturalezza. Si parte da un sussurro, da piccole scaramucce quotidiane in cucina, da quel dark humour tutto britannico che Zeldin non abbandona mai, e poi, battuta dopo battuta, il volume emotivo sale.

È un crescendo perfetto, che convince il pubblico a seguire la storia senza mai perdere un colpo, ad entrare nella bolla di dolore di ogni personaggio. Perché, come dice Zeldin, "tutti i personaggi soffrono nel loro piccolo mondo, incapaci di empatia, come intrappolati nella propria bolla di sofferenza". La sofferenza ha una qualità magica, spiega: dà a chi soffre il potere di cambiare la realtà. E per questo chi ha il potere cerca di tenere gli sfortunati ai margini.

Sul palco la cucina diventa un campo di battaglia per memorie in competizione, lotte di potere e cicatrici non guarite. E quella tenda in fondo al giardino? Zeldin l'ha vista viaggiando in treno verso Londra. Per lui evoca già dramma e protesta, il simbolo di chi non ha intenzione di arrendersi.

The Other Place non è uno spettacolo leggero, come avverte lui stesso. È una delle sue opere più impegnative, perché riflette i nostri tempi, "dove abuso, violenza e corruzione sono al cuore delle relazioni umane". Ma è proprio per questo necessario. Ti porta con i personaggi fino al culmine, fino a quel punto in cui non puoi più distogliere lo sguardo.

The Other Place di Alexander Zeldin

Grand Théâtre de la Ville de Luxembourg, 1-2 ottobre 2026

Spettacolo in inglese.

Nick Fletcher (playing Chris) and Ella Bruccoleri (Annie) in the European touring production of The Other Place. Photo credit_ Martin Argyroglo for A Zeldin Company

In English

There is a kitchen. An ordinary middle-class home, like so many others, with its table, its chairs, and the garden outside.

At the far end of the garden, a tent. From this simple, almost unremarkable image, Alexander Zeldin builds one of the most powerful and deeply human tragedies of recent years. Staged at the Grand Théâtre in Luxembourg on 1 and 2 October, The Other Place is a gut punch that lands slowly, carried by the force of great dialogue.

Commissioned by London’s National Theatre, the play grew out of a striking idea that Zeldin discusses in Igor Hansen-Løve’s interview at the Festival d’Automne: to transpose the power struggles of Sophocles’ Antigone into a contemporary family setting. Creon becomes the father, or rather, the uncle. Antigone becomes Annie.

The plot is only seemingly intimate: Annie returns home years later, on the anniversary of her father Adam’s suicide. Waiting for her are her younger sister Issy, whom she has always protected, and their uncle Chris - the deceased’s brother, who has stepped into the role of father figure and renovated the house in an attempt to move on - along with his wife, Erica. But the past refuses to stay buried. Annie’s return shatters a fragile balance and demands justice for old wounds, forcing everyone to confront grief, guilt and long-unspoken resentments.

What stands out is the writing and the acting.

Here, Zeldin has chosen the strict rules of classical tragedy: the unities of time, place and action. Everything unfolds over 24 hours.

A constraint that becomes an act of virtuosity. “It’s incredibly difficult to write. The unity of time demands an economy of words and great precision. Nothing can be left to chance,” he admits. And it shows.

The dialogue is finely crafted and authentic. Not a single line feels out of place. The cast delivers it all with remarkable naturalness. It begins with a whisper, with minor everyday squabbles in the kitchen, with the unmistakable dark humour of the British tradition, which Zeldin never abandons. Then, line by line, the emotional intensity builds.

It is a perfectly paced crescendo, drawing the audience into the story without ever missing a beat, inviting them into each character’s private world of pain. Because, as Zeldin puts it, “all the characters suffer in their own little worlds, incapable of empathy, as though trapped in their own bubbles of suffering.” Suffering, he explains, has a kind of magical quality: it gives those who endure it the power to change reality. And that is precisely why those in power seek to keep the unfortunate on the margins.

On stage, the kitchen becomes a battleground for competing memories, power struggles and unhealed wounds. And that tent at the far end of the garden? Zeldin spotted it while travelling by train to London. To him, it already evokes drama and protest: a symbol of someone who refuses to give up.

The Other Place is not a light-hearted play, as Zeldin himself warns. It is one of his most demanding works because it reflects our times, “where abuse, violence and corruption lie at the heart of human relationships.” But that is precisely what makes it necessary. It takes you alongside the characters all the way to the climax, to the point where you can no longer look away.

The Other Place by Alexander Zeldin

Grand Théâtre de la Ville de Luxembourg, 1–2 October 2026

Performed in English.