Stasera alla Monnaie di Bruxelles con il concerto "A Vagabond's daydream" una passeggiata onirica attraverso le più belle melodie di Schumann, Mahler, Strauss, Poulenc, Fauré e Duparc.
di Giovanni Zambito - Indimenticabile Falstaff alla Monnaie la scorsa stagione, Sir Simon Keenlyside calca da quattro decenni i palcoscenici lirici più prestigiosi del mondo. La sua carriera, ricca e diversificata, è stata premiata con numerosi riconoscimenti, tra cui un Laurence Olivier Award per l'insieme della carriera lirica (2006), un ECHO Klassik come miglior cantante dell'anno (2007), il Vocalist of the Year di Musical America (2011) e, nel 2018, il titolo di cavaliere per i servizi resi alla musica.
Lungo i suoi viaggi, una stessa bussola musicale ha guidato i suoi passi. In questo recital il baritono vi invita a seguirlo sulle strade di una figura che da secoli nutre l'immaginario di artisti, poeti e filosofi: il vagabondo. Simbolo a turno di libertà, immaginazione, evasione e indipendenza, si trasforma a seconda dei compositori. In Schumann è un menestrello solitario che chiede al suo re nient'altro che una coppa di vino. In Mahler diventa sant'Antonio da Padova, che predica ai pesci quando trova vuota la sua chiesa. Con Strauss ci conduce in erranze notturne, al riparo dalle tempeste di dicembre. Poulenc ci fa assaporare la vie de bohème parigina di un pittore, mentre in Fauré e Duparc il vagabondo è portato da una dolcezza meditativa. Nessuno sa dove porterà il viaggio. Una sola certezza: lungo il cammino ci sarà della bellezza da trovare. L'intervista di Fattitaliani.
Che cosa significa essere un vagabondo, e come risuona questa figura nella vita di un cantante che viaggia?
In parole semplici, la vita di un cantante classico è davvero una vita da vagabondo, da gitano. Si va dove c'è lavoro, e il lavoro? La nostra bella musica classica e la nostra opera sono amate in tutto il mondo, quindi seguiamo dove vanno.
Quando cantavo al Teatro de la Ópera di Madrid, ogni sera, dopo gli spettacoli, andavo al Casa Patas, il locale di flamenco. Prima di tutto amo la musica. Ma forse riderete: provavo anche un'affinità con il popolo gitano. Non solo affinità, ma in qualche modo anche invidia. Loro, almeno, hanno la loro famiglia in viaggio, la loro società e la loro cultura, mentre noi no.
Come ha dato forma a questo percorso musicale, e che cosa vuole che il pubblico ne porti con sé?
Un programma, per me, è come una passeggiata nella natura. La condizione umana viene di solito filtrata attraverso un medium pastorale. Le canzoni raramente parlano solo di natura: sono metafore della nostra turbolenta vita umana. Metto insieme i brani in modo che diventino una conversazione libera attorno a un tema, oppure che si stacchino e affrontino qualcosa di completamente diverso, proprio come si farebbe parlando con un amico mentre si cammina.
Quanto a ciò che il pubblico ne trarrà, non credo che un cantante possa condurre gli spettatori come un toro con un anello al naso. No! Si suggerisce un tema, e ogni persona risponderà in modo diverso, a seconda della propria esperienza di vita. Ognuno ha il proprio modo di vedere la vita, i propri colori, le proprie reazioni. Questa è la bellezza di ogni arte, credo.
Che cosa l'ha affascinata in Mahler, con la sua miscela di malinconia, umorismo e meraviglia?
Non sono sicuro di sentire Mahler in modo diverso rispetto a qualunque altro dei miei maestri musicali. Tutti ci mostrano, ciascuno a modo suo, un'immagine in frantumi della condizione umana. Mai tutta intera: solo un'istantanea di vita che noi, gli ascoltatori, possiamo riconoscere come fedele al vero. Credo che ci tocchi proprio perché la sentiamo genuina e pertinente alla nostra vita emotiva. Da questo punto di vista, Mahler non è diverso da Schubert o da Debussy.
In riferimento a Poulenc, come cambia la sua interpretazione quando un compositore guarda un dipinto mentre crea la musica?
Lui non parla mai di un singolo dipinto. È una visione d'insieme: un'impressione, nella sua sintassi musicale, del carattere di ciascuno dei pittori del ciclo. E allora qual è il mio compito? Naturalmente devo rispondere ai dipinti musicali del mio maestro, ma allo stesso tempo, dopo aver guardato io stesso questi artisti, cerco di capire quale aspetto del loro carattere egli stia descrivendo. È un bel gioco!
Parole e musica, in particolare nella melodia francese: come fa il cantante a far vivere la poesia attraverso la voce?
La vecchia questione: prima la musica, poi le parole? Moltissimi compositori hanno affrontato questo tema. Richard Strauss ha scritto un'intera opera su questo, Capriccio.
La verità è che tutta la musica è la più meravigliosa delle sinestesie. Parole, emozioni, melodia e armonia implicita sono avvolte insieme in un'unica cosa estatica chiamata musica. È un dialogo, un discorso; non è mai una cosa sola. Le parole possono dire una cosa, l'armonia orchestrale può contraddirla del tutto, e la qualità del suono di una voce può introdurre dubbio o certezza.
La melodia francese non è diversa da quella di qualsiasi altra lingua. Le culture cambiano, gli accenti cambiano, la lingua cambia, ma la condizione umana no, e non è mai cambiata.
La bellezza, per un cantante, sta però nello scegliere. Si hanno opzioni reali, ma non si possono scegliere tutte. Si può scegliere un suono, un attacco, una dinamica che si appoggia, appena appena, a uno o all'altro dei significati della musica, e così facendo la si può cambiare in modo significativo.
Il suo modo di ascoltare e interpretare la musica è cambiato negli anni? C'è qualcosa che cerca in una partitura e che all'inizio della carriera non cercava?
Domanda interessante. Penso sia naturale per un giovane cantante che comincia essere un po' troppo preoccupato dall'atto del cantare. Naturalmente il bel canto è ciò che tutti vogliamo. Tuttavia, con il passare del tempo, e man mano che un cantante cresce e ha a disposizione più colori nella voce, si hanno più possibilità di cercare la verità di qualsiasi situazione, ruolo o canzone. Anche la bruttezza ha il suo posto, se sta descrivendo la bruttezza.
Ogni artista ha una scelta: cantare e interpretare nel modo che desidera. Non si può, e non si riuscirà, a far piacere a tutti sempre, quindi tanto vale essere fedeli a se stessi. E io? Voglio trovare qualcosa della verità della canzone, o del ruolo, o della situazione. Dopotutto, il poeta e il compositore hanno scritto una sorta di distillazione cristallina di una verità autentica della natura umana. Idealmente vorrei trovare qualcosa di quella verità e presentarla in modo abbastanza chiaro perché chi ascolta possa vederla, magari come la vedo io. E, soprattutto, vederla come i miei maestri hanno scritto la verità del momento.
Che cosa significa per lei tornare alla Monnaie?
Significa molto per me. Le correnti di una vita e di una carriera portano un artista ovunque, ed è solo col senno di poi che si può dire: «Ah sì, questo posto è stato importante nella mia vita».
Ho una lunghissima storia con la Monnaie. È stato il mio primo lavoro in Europa, con una bellissima produzione di La Callisto sotto Gérard Mortier. Ho vissuto avventure meravigliose con Don Giovanni, che abbiamo portato anche a Tokyo, per l'Imperatrice del Giappone. Ci sono stati due splendidi progetti, Orfeo e Winterreise, con la Trisha Brown Dance Company, voluti dal vostro meraviglioso ex direttore Bernard Foucroulle. E più di recente, con mia grande sorpresa, ho adorato la produzione di Falstaff di Laurent Pelly con Alain Altinoglu, un'opera che mi è stata affidata da Peter de Caluwe e Christina Scheppelmann. È stato uno dei periodi di lavoro più felici della mia carriera.
La Monnaie, oltre a essere il teatro d'opera di dimensioni più perfette e una gioia dal punto di vista acustico, mi ha anche nutrito profondamente a livello personale, nel corso di molti decenni. È un privilegio e una gioia tornare.
"A programme is like going for a walk in nature"
Simon Keenlyside on wanderers, truth in song, and returning to La Monnaie
A dreamlike stroll through the finest songs of Schumann, Mahler, Strauss, Poulenc, Fauré and Duparc.
Unforgettable as Falstaff at La Monnaie last season, Sir Simon Keenlyside has spent four decades on the world's most prestigious opera stages. His rich and varied career has brought many honours, among them a Laurence Olivier Award for his entire operatic career (2006), an ECHO Klassik for Male Singer of the Year (2007), Musical America's Vocalist of the Year (2011) and, in 2018, a knighthood for services to music.
Through all his travels, one musical compass has guided his steps. In this recital, the baryton invites you to follow him along the paths of a figure who has long fed the imagination of artists, poets and philosophers: the wanderer. Symbol by turns of freedom, imagination, escape and independence, he is transformed by each composer. In Schumann he is a solitary minstrel asking his king for nothing more than a cup of wine. In Mahler he becomes Saint Anthony of Padua, preaching to the fishes when he finds his church empty. With Strauss he leads us through nocturnal wanderings, sheltered from the storms of December. Poulenc offers a taste of a painter's Parisian vie de bohème, while in Fauré and Duparc the wanderer is carried by a meditative gentleness. Nobody knows where the journey will lead. One thing is certain: along the way, there will be beauty to be found.
What does it mean to be a wanderer, and how does it resonate with the life of a travelling singer?
Put simply, the life of a classical singer is indeed a vagrant, gypsy life. One follows where the work is, and the work? Our beautiful classical music and opera are loved worldwide, so we follow where they go.
When I was singing at the Madrid Opera, I went every day after the shows to the Casa Patas flamenco club. First and foremost, I love the music. But you may laugh: I also felt an affinity with the gypsy people. Not only an affinity, but in a way an envy. They, at least, have their travelling family, their society and their culture, whilst we do not.
How did you shape this musical journey, and what do you want the audience to take from it?
A programme, for me, is like going for a walk in nature. The human condition is usually filtered through a pastoral medium. Songs are rarely only about nature; they are metaphors for our turbulent human life. I put songs together so that they become a loose discussion around a subject, or else break away and address something entirely different, just as you would if talking to a friend whilst walking.
As for what an audience will take from it, I don't think a singer can lead an audience like a bull with a ring in its nose. No! One suggests a theme, and every person will respond differently, depending on their own life experience. They have their own takes on life, their own colours and responses. That's the beauty of all art, I believe.
What fascinated you about Mahler, in his mix of melancholy, humour and wonder?
I'm not sure I feel any differently about Mahler as against any of my musical masters. They all show us, in their individual ways, some shattered image of the human condition. Never all of it: just a snapshot of life that we, the listeners, can recognise as true to life. I think it touches us precisely because we feel it to be genuine and relevant to our emotional life. In that respect, Mahler is no different from Schubert or Debussy.
About Poulence and h"Le Travail du peintre", how does your interpretation change when a composer is looking at a painting while creating the music?
He is never speaking about one single painting. It is an overview: an impression, in his own musical syntax, of the character of each of the painters in the cycle. So what is my job? Of course I must respond to my master's musical paintings, but at the same time, having looked at these artists myself, I try to see what aspect of their character he is speaking of. It's a lovely game!
Words and music, particularly in French song: how does the singer make the poetry live through the voice?
The old question: prima la musica, poi le parole? So many composers have addressed this subject. Richard Strauss wrote an entire opera on it, Capriccio.
The truth is that all music is the most wonderful synaesthesia. Words, emotions, melody and implied harmony are all wrapped up in one ecstatic thing called music. It's a dialogue, a discourse; it is never one thing. The words may be saying one thing, the orchestral harmony may contradict it entirely, and the quality of the sound in a voice may introduce doubt or certainty.
French song is no different from any other. Cultures change, accents change, language changes, but the human condition never does, and never has.
The beauty for a singer, however, is to choose. One has genuine options, but one cannot choose them all. One can choose a sound, an attack, a dynamic which leans, just leans, on one or other of the meanings in the music, and in doing so can change it significantly.
Has your way of listening to and interpreting music changed over the years? Is there something you look for in a score that you did not seek at the beginning of your career?
Interesting question. I think it is only natural for a young singer starting out to be a little too preoccupied with the act of singing. Of course, beautiful singing is what we all want. However, as time passes, and as a singer grows into his or her time and has more colours available in the voice, one has more options for seeking the truth of any situation, any role or any song. Even ugliness has its place, if it is describing ugliness.
Any artist has a choice: to sing and perform in the way they want to. You cannot, and will not, please everyone all the time, so you might as well be true to yourself. Me? I want to find something of the truth of the song, or the role, or the situation. After all, the poet and the composer wrote a kind of crystalline distillation of a genuine truth in human nature. Ideally, I would like to find something of that truth and present it clearly enough for those listening to see it, perhaps as I see it. Most importantly, to see it as my masters wrote the truth of the moment.
What does it mean for you to come back to La Monnaie?
It means a lot to me. The currents of a life and of a career take a performer everywhere, and it is only in retrospect that one can say, "Ah yes, this place was important to my life."
I have had a very long association with La Monnaie. It was my first job in Europe, with a beautiful production of La Callisto under Gérard Mortier. I have enjoyed wonderful adventures with Don Giovanni, which we took to Tokyo as well, for the Empress of Japan. There were two stunning projects, Orfeo and Winterreise, with the Trisha Brown Dance Company, driven by your wonderful former director Bernard Foucroulle. And most recently, much to my own surprise, I adored the Laurent Pelly production of Falstaff with Alain Altinoglu, a work given to me by Peter de Caluwe and Christina Scheppelmann. It was one of the happiest working periods of my career.
La Monnaie, in addition to being the most perfectly sized opera house and an acoustic joy, has also deeply nourished me personally, over many decades. It is a privilege and a joy to return.
