di Giovanni Zambito - Tra gli ospiti dell'edizione 2026 di Notturno Favazza, la manifestazione che intreccia arte contemporanea, musica, natura e cultura del vino ai piedi dell'Etna, figura anche l'artista portoghese Frank Tesfay, conosciuto a livello internazionale per le sue sculture in vetro realizzate attraverso un'originale tecnica di fratture controllate. Le sue opere trasformano la fragilità del vetro in una riflessione intensa sull'identità, la memoria e la condizione umana. In questa intervista racconta la genesi della sua ricerca artistica e il dialogo tra le sue creazioni e il paesaggio unico dell'Etna.
Le sue opere trasformano le fratture del vetro in un linguaggio artistico unico. Come ha sviluppato questa tecnica e cosa rappresentano queste fratture nella sua visione artistica?
Lavorando con il vetro ho scoperto e affinato gradualmente questa tecnica, lasciandola evolvere in modo naturale attraverso la pratica e la sperimentazione. Al di là del suo forte impatto visivo, il processo è diventato profondamente personale. I colpi ripetuti e controllati necessari per modellare il vetro rappresentano un gesto meditativo che trasforma il materiale e, allo stesso tempo, diventa uno sfogo per l'ansia. In molti aspetti, il ritmo di ogni colpo funziona come una forma di terapia, nella quale precisione, pazienza e ripetizione si fondono in una pratica artistica e in un mezzo di liberazione emotiva.
Il vetro è allo stesso tempo fragile e resistente. Cosa le permette di esprimere questo materiale che altri mezzi artistici non riescono a comunicare?
Il vetro racchiude una straordinaria contraddizione: appare puro, solido e quasi intoccabile, eppure un solo impatto può trasformarlo completamente. Allo stesso tempo, anche quando è fratturato, può restare in piedi, rivelando una resilienza inaspettata. A differenza di molti altri materiali, il vetro interagisce continuamente con la luce, con lo spazio circostante e con il punto di vista dell'osservatore. Le fratture non rimangono semplicemente sulla superficie, ma catturano, rifrangono e riflettono la luce, facendo cambiare continuamente l'immagine a seconda della prospettiva.
È proprio questa dualità ad attirarmi. Riconosco qualcosa di me nella natura del vetro: un materiale che incarna vulnerabilità e forza, sensibilità e resistenza. Sebbene possa sembrare fragile, possiede una straordinaria capacità di trasformarsi senza perdere la propria integrità. In molti aspetti riflette la mia esperienza personale, rendendo il vetro non solo il mezzo attraverso cui mi esprimo, ma anche uno specchio della mia identità.
Sono particolarmente attratto dal vetro blu. Il suo colore evoca qualcosa di etereo, silenzioso e quasi ultraterreno. La tonalità fredda attenua la violenza delle fratture, creando un delicato equilibrio tra impatto e serenità. Quando la luce lo attraversa, l'opera assume una qualità mutevole e atmosferica che ne rafforza il carattere emotivo e contemplativo.
Le sue opere affrontano spesso temi come l'identità, la memoria e l'esperienza umana. Cosa vorrebbe che il pubblico scoprisse o su cosa riflettesse osservando le sue sculture?
Vorrei che gli spettatori vedessero qualcosa che va oltre l'immagine stessa. Da lontano possono riconoscere un volto, un corpo o una figura familiare; avvicinandosi, quell'immagine si dissolve in migliaia di fratture. Credo che questo racconti qualcosa di profondamente umano: la nostra identità non è fatta solo di ciò che rimane intatto, ma anche delle esperienze, delle ferite, dei ricordi e delle trasformazioni che viviamo. Mi auguro che ciascuno possa riconoscere qualcosa di sé nelle opere e comprendere che la fragilità non coincide necessariamente con la debolezza.
Spero inoltre che il mio lavoro ricordi la nostra comune umanità. Viviamo in un'epoca in cui siamo sempre più spinti a pensare, produrre e agire con l'efficienza delle macchine, spesso a discapito dell'empatia, della vulnerabilità e delle autentiche relazioni umane. Allo stesso tempo affrontiamo sfide globali come il cambiamento climatico, i conflitti armati e l'instabilità sociale e politica, che ci ricordano continuamente quanto sia fragile la nostra esistenza. Vorrei che le mie opere invitassero a fermarsi, a riscoprire ciò che ci rende umani e a comprendere che la capacità di provare emozioni, di essere vulnerabili e di prenderci cura gli uni degli altri rappresenta forse la nostra più grande forza.
Esporrà a Notturno Favazza, dove arte contemporanea, musica, natura e cultura del vino dell'Etna si incontrano. Quanto è importante il rapporto tra la sua opera e il luogo in cui viene presentata?
Il luogo in cui un'opera nasce o viene esposta è fondamentale, perché entra a far parte del suo stesso significato. L'Etna rappresenta un contesto particolarmente potente per il mio linguaggio artistico: è un luogo in cui distruzione e creazione convivono da secoli. La lava può devastare il paesaggio, ma allo stesso tempo genera nuova terra e un suolo straordinariamente fertile. Allo stesso modo, utilizzo un gesto apparentemente distruttivo, il colpo di un martello sul vetro, per creare un'immagine. La collaborazione con Amore Art Gallery di Taormina ha reso possibile immaginare questa performance in dialogo con l'identità dell'Etna e con la cultura del vino di Favazza. A Notturno Favazza la trasformazione del vetro, la musica, il paesaggio, le persone e l'atmosfera entreranno tutti a far parte dell'opera. Non sarà semplicemente un lavoro esposto in un luogo, ma un'opera nata da quel luogo e da quell'istante.
Se i visitatori dovessero portare con sé una sola emozione o un solo pensiero dopo aver visto la sua mostra, quale vorrebbe che fosse?
Vorrei che uscissero con l'idea che una frattura non rappresenta necessariamente la fine di qualcosa. Può essere, invece, il punto da cui nasce una nuova forma, una nuova identità o un nuovo inizio. Ciò che appare spezzato può continuare a custodire forza, bellezza e la possibilità di creare qualcosa di nuovo.
ENGLISH VERSION
Among the protagonists of the 2026 edition of Notturno Favazza, the event that brings together contemporary art, music, the landscape and the wine culture of Mount Etna, is Portuguese artist Frank Tesfay, internationally recognised for his extraordinary glass sculptures created through a technique of controlled fractures. His works transform the apparent fragility of glass into powerful reflections on identity, memory and the human condition. Ahead of his participation in the event, Tesfay shares the ideas behind his artistic practice and the dialogue between his work and the unique setting of Etna.
Your work transforms fractures in glass into a unique artistic language. How did you develop this technique, and what do these fractures symbolize in your artistic vision?
Through my work with glass, I gradually discovered and refined this technique, allowing it to evolve organically through practice and experimentation. Beyond its striking visual impact, the process has become deeply personal. The repetitive, controlled strikes required to shape the glass serve as a meditative act, transforming the material while simultaneously providing an outlet for anxiety. In many ways, the rhythmic impact of each strike functions as a form of therapy, where precision, patience, and repetition converge into both an artistic practice and a means of emotional release.
Glass is both fragile and resilient. What allows this material to express that other artistic media cannot?
Glass contains an extraordinary contradiction: it appears pure, solid, and almost untouchable, yet a single impact can transform it completely. At the same time, even when fractured, it can remain standing, revealing an unexpected resilience. Unlike many other materials, glass interacts continuously with light, the surrounding space, and the viewer's position. The fractures do not simply rest on its surface; they capture, refract, and reflect light, causing the image to shift constantly with every change in perspective.
This duality is what draws me to glass. I recognise something of myself in its nature: a material that embodies both vulnerability and strength, sensitivity and endurance. Although it may appear fragile, it possesses a remarkable capacity to withstand transformation without losing its integrity. In many ways, this mirrors my own experience, making glass not only the medium through which I work, but also a reflection of my identity.
I am particularly drawn to blue glass. Its colour evokes a sense of the ethereal—something quiet, intangible, and almost otherworldly. The cool blue tone softens the violence of the fractures, creating a delicate balance between impact and serenity. As light passes through it, the work acquires a shifting, atmospheric quality that reinforces the emotional and contemplative nature of the pieces.
Your work often explores themes such as identity, memory and the human experience. What would you like visitors to discover or reflect upon when they encounter your sculptures?
I would like viewers to see more than the image itself. From a distance, they may first recognise a face, a body, or a familiar human presence; as they move closer, that image dissolves into thousands of individual fractures. I believe this reflects something deeply human: our identity is not formed only by what remains intact, but also by our experiences, wounds, memories, and transformations. I hope visitors can recognise something of themselves in the work and reflect on the fact that fragility does not necessarily mean weakness.
Beyond this, I hope the work serves as a reminder of our shared humanity. We live in a time in which we are increasingly encouraged to think, produce, and perform with the efficiency of machines, often at the expense of empathy, vulnerability, and genuine human connection. At the same time, we face profound global challenges—from climate change and armed conflict to growing social and political instability—that continually remind us of the fragility of our existence. In this context, I hope the work invites viewers to pause, reconnect with what makes us human, and recognise that our capacity to feel, to be vulnerable, and to care for one another is not a weakness, but perhaps our greatest source of resilience.
You will be exhibiting at Notturno Favazza, where contemporary art meets music, nature and the wine culture of Mount Etna. How important is the relationship between your work and the place in which it is displayed?
The place in which a work is created or displayed is extremely important, because it becomes part of the meaning of the work itself. Mount Etna is an especially powerful setting for my artistic language: it is a place where destruction and creation have coexisted for centuries. Lava can destroy the landscape, but it also generates new land and extraordinarily fertile soil. In a similar way, I use an apparently destructive gesture—the impact of a hammer on glass—to create an image. The collaboration with Amore Art Gallery in Taormina made it possible to imagine this performance in dialogue with the identity of Etna and with Favazza’s wine culture. At Notturno Favazza, the transformation of the glass, the music, the landscape, the people and the atmosphere will all become part of the work. It will not simply be an artwork displayed in a location, but an artwork born from that location and that particular moment.
If visitors could leave your exhibition with just one feeling or one thought, what would you hope it would be?
I would like them to leave with the thought that a fracture is not necessarily the end of something. It can also be the point from which a new form, a new identity or a new beginning emerges. What appears broken can still contain strength, beauty and the possibility of creation.
