di Giovanni Chiaramonte - Presentata ieri all'Opera di Bruxelles la nuova stagione 2026-27 (qui) alla presenza della Sovraintendente Christina Scheppelmann e il direttore d'orchestra Alain Altinoglu. Al centro della nuova stagione, nove opere di epoche, stili e prospettive diverse: da Gounod, Berg e Rossini a Mussorgskij, passando per Strauss, Mascagni, Leoncavallo e Huang Ruo. Due opere da camera particolarmente toccanti completano il quadro. Fattitaliani ha intervistato il M° Alain Altinoglu.
Maestro, è il dodicesimo anno a La Monnaie. Non è stanco?
No, per niente. Al contrario, sono molto felice. In effetti, quando si diventa direttore musicale di un’orchestra e di un’opera, si lavora molto, ma i risultati non arrivano subito: ci vuole tempo.
Adesso ho l’impressione che l’orchestra che dirigo e i cori riflettano davvero la sonorità e la filosofia musicale che ho voluto sviluppare negli anni. Oggi, in un certo senso, raccolgo solo il positivo di tutto il lavoro svolto finora. Da quando sono qui, quasi la metà dell’orchestra è cambiata.
Ho quindi fatto tutte le audizioni e i reclutamenti. L’orchestra è molto evoluta. Ovviamente, abbiamo lavorato su repertori molto diversi.
È molto difficile spiegare l’alchimia tra un direttore d’orchestra e i musicisti, perché non c’è un segreto magico. Non c’è una ricetta, non si sa perché. Ma qui funziona sempre molto bene. Quindi sono molto, molto felice di continuare.
Ha menzionato, durante la conferenza stampa, Wozzeck come la sua opera totem.
Una delle opere totem. Come Tristan und Isolde, per esempio.
Esistono alcune opere che segnano la storia della musica, come Le Sacre du printemps per la musica sinfonica. Sono opere che cambiano il corso della storia, tutto ciò che viene dopo. Le Sacre du printemps ha influenzato molti compositori, e anche Wozzeck, in particolare quelli che hanno composto nello spirito di ciò che aveva fatto Alban Berg. Dirigere opere così importanti nella storia dell’arte è qualcosa di molto prezioso.
E come è evoluto il suo approccio musicale nel tempo?
Ebbene, sono invecchiato… ma questo porta certe cose. Non so se siano vantaggi, ma è interessante. Per esempio, la settimana scorsa ho fatto una tournée con la Nona Sinfonia di Mahler, che ha composto poco prima della sua morte, a 50 anni - l’età che ho oggi.
Avevo sempre rifiutato di dirigere quest’opera prima, perché mi chiedevo: a 18 o 20 anni, si può davvero comprendere cosa significhi perdere un figlio, essere ingannati, traditi nel proprio lavoro, perdere il proprio posto? Si può capire tutto questo da giovani, o bisogna aver vissuto?
È qui, penso, la grande differenza oggi: sono un uomo diverso da quello che ero vent’anni fa. Le grandi questioni filosofiche affrontate nell’opera - l’amore, la morte - evolvono con noi. E inevitabilmente, anche la mia interpretazione evolve.
Se dirigo Don Giovanni, il finale non significa più la stessa cosa per me oggi. È la prima opera che ho diretto, più di 25 anni fa, ma non ho più affatto la stessa visione della morte.
Alla fine, cambiamo. Quando ero giovane, si diceva: «i vecchi direttori dirigono più lentamente». Pensavo fosse perché erano stanchi. Ma non credo affatto che sia così. Un direttore esperto può anche dirigere velocemente. È semplicemente che diventiamo più maturi, più profondi, e il nostro sguardo cambia.
Quando dirige, si può riconoscere che è lei, in particolare per la qualità del suono.
È il più bel complimento che possiate farmi.
Io stesso l’ho osservato con i miei allievi. Quando otto studenti dirigono lo stesso brano, il suono dell’orchestra cambia completamente ogni volta, anche senza gesti diversi, semplicemente per la loro presenza.
Abbiamo tutti un modo di essere che ci è proprio. È come per i cantanti: ognuno ha la sua voce, il suo timbro. Li si riconosce immediatamente. Per un direttore d’orchestra è più difficile da spiegare, ma è simile.
La cosa più difficile è coltivare la propria voce. I giovani cercano spesso di imitare: guardano video su YouTube e vogliono fare lo stesso. Ma essere se stessi, trovare la propria voce è la cosa più difficile.
Io ho l’impressione di essere me stesso quando dirigo. Cerco di essere il più onesto possibile con ciò che sono e ciò che penso. Forse è per questo che le persone riconoscono il mio stile.
Ha anche evocato la difficoltà di attirare i giovani. E lei è insegnante.
Certo.
Internet può essere utile…
Sì, ma il problema oggi è che i giovani sono su TikTok, Instagram, e gli algoritmi non favoriscono la musica classica.
C’è qui una vera sfida educativa, perfino politica. Se si potesse fare in modo che contenuti artistici e intellettuali raggiungano maggiormente i giovani, ciò aiuterebbe molto.
Credo profondamente nell’educazione. Questa settimana, per esempio, abbiamo accolto molti bambini all’orchestra. Hanno scoperto Strauss, ma anche la musica contemporanea, gli strumenti. E nei loro occhi, a 9 o 10 anni, c’è fascinazione - davanti a una tuba, per esempio. Forse alcuni faranno musica più tardi.
L’educazione è essenziale, e Christina (Scheppelmann - Sovraintendente della Monnaie n.d.r.) lo ha capito molto bene.
Ci sono ancora opere che sogna di dirigere?
Sì, moltissime.
Se parliamo di opera, non ho ancora diretto Die Meistersinger von Nürnberg. Ho diretto tutti i Wagner tranne questo, e spero di farlo.
Non ho nemmeno diretto alcuni grandi Britten, come Peter Grimes o Billy Budd. C’è ancora molto repertorio da esplorare. Il problema è che ci sono solo 365 giorni in un anno.
Ho anche dovuto fare delle scelte: dirigo meno il bel canto italiano oggi, che ho praticato molto in passato, come Donizetti. Mi sono concentrato di più sul repertorio tedesco del XIX e XX secolo.
Ho una domanda su Boris Godounov, in cartellone la prossima stagione. È stata la prima opera che ho visto, alla Scala di Milano, negli anni ’80. Qual è la specificità di quest’opera?
La prima cosa che mi colpisce sono le armonie. Sono profondamente russe.
Per esempio, un accordo di do maggiore, normalmente, è do-mi-sol. Ma in Moussorgski spesso manca il mi: restano do e sol. Questo crea un suono più grezzo, più vuoto, ma molto potente.
È per questo che preferisco la versione originale di Moussorgski. Rimsky-Korsakov ha riorchestrato l’opera rendendola più “occidentale”, più levigata. Ma in Moussorgski c’è qualcosa di diretto, di grezzo, che mi piace enormemente.
Si sente anche il folklore russo, soprattutto nei cori, con l’influenza dei canti ortodossi. È molto presente, forse più ancora che in Tchaïkovski.
Per concludere, una parola chiave per definire il suo percorso?
La curiosità.
È qualcosa che non è mai cambiato. Oggi, con Internet, uso molto IMSLP, una sorta di Wikipedia delle partiture. Passo ore a scoprire opere.
Ma questa curiosità riguarda anche le persone: incontrare nuovi musicisti, scambiare.
Ciò che è cambiato, invece, è l’economia dei mezzi. Prima ero forse più impulsivo. Lo sono ancora un po’, ma oggi sono più concentrato, più essenziale.
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Rencontre avec Alain Altinoglu : temps, expérience et maturation dans l’art de la direction
par Giovanni Chiaramonte - Présentée hier à l’Opéra de Bruxelles, la nouvelle saison 2026-27 (ici) en présence de la surintendante Christina Scheppelmann et du chef d’orchestre Alain Altinoglu. Au cœur de cette nouvelle saison, neuf opéras d’époques, de styles et de perspectives différents : de Gounod, Berg et Rossini à Moussorgski, en passant par Strauss, Mascagni, Leoncavallo et Huang Ruo. Deux opéras de chambre particulièrement émouvants complètent le programme. Fattitaliani a interviewé le Maestro Alain Altinoglu.
Maestro, c’est votre douzième année à La Monnaie. N’êtes-vous pas fatigué ?
Non, pas du tout. Au contraire, je suis très heureux. En effet, lorsque l’on devient directeur musical d’un orchestre et d’un opéra, on travaille énormément, mais les résultats ne viennent pas immédiatement : il faut du temps.
Aujourd’hui, j’ai l’impression que l’orchestre que je dirige et les chœurs reflètent vraiment la sonorité et la philosophie musicale que j’ai voulu développer au fil des années. À présent, d’une certaine manière, je récolte seulement le positif de tout le travail accompli jusqu’ici. Depuis que je suis ici, presque la moitié de l’orchestre a changé.
J’ai donc organisé toutes les auditions et les recrutements. L’orchestre a beaucoup évolué. Bien sûr, nous avons travaillé sur des répertoires très variés.
Il est très difficile d’expliquer l’alchimie entre un chef d’orchestre et les musiciens, car il n’y a pas de secret magique. Il n’y a pas de recette, on ne sait pas pourquoi. Mais ici, cela fonctionne toujours très bien. Je suis donc très, très heureux de continuer.
Vous avez mentionné, lors de la conférence de presse, Wozzeck comme votre opéra totem.
L’un de mes opéras totem. Comme Tristan und Isolde, par exemple.
Il existe certaines œuvres qui marquent l’histoire de la musique, comme Le Sacre du printemps pour la musique symphonique. Ce sont des œuvres qui changent le cours de l’histoire, tout ce qui vient après. Le Sacre du printemps a influencé de nombreux compositeurs, et aussi Wozzeck, en particulier ceux qui ont composé dans l’esprit de ce qu’avait fait Alban Berg. Diriger des œuvres aussi importantes dans l’histoire de l’art est quelque chose de très précieux.
Et comment votre approche musicale a-t-elle évolué avec le temps ?
Eh bien, j’ai vieilli… mais cela apporte certaines choses. Je ne sais pas si ce sont des avantages, mais c’est intéressant. Par exemple, la semaine dernière, j’ai fait une tournée avec la Neuvième Symphonie de Mahler, qu’il a composée peu avant sa mort, à 50 ans - l’âge que j’ai aujourd’hui.
J’avais toujours refusé de diriger cette œuvre auparavant, car je me demandais : à 18 ou 20 ans, peut-on vraiment comprendre ce que signifie perdre un enfant, être trompé, trahi dans son travail, perdre sa place ? Peut-on comprendre tout cela quand on est jeune, ou faut-il l’avoir vécu ?
C’est là, je pense, la grande différence aujourd’hui : je suis un homme différent de celui que j’étais il y a vingt ans. Les grandes questions philosophiques abordées dans l’opéra - l’amour, la mort - évoluent avec nous. Et inévitablement, mon interprétation évolue aussi.
Si je dirige Don Giovanni, la fin n’a plus la même signification pour moi aujourd’hui. C’est le premier opéra que j’ai dirigé, il y a plus de 25 ans, mais je n’ai plus du tout la même vision de la mort.
Au fond, nous changeons. Quand j’étais jeune, on disait : « les vieux chefs dirigent plus lentement ». Je pensais que c’était parce qu’ils étaient fatigués. Mais je ne crois pas du tout que ce soit le cas. Un chef expérimenté peut aussi diriger rapidement. C’est simplement que nous devenons plus mûrs, plus profonds, et que notre regard change.
Quand vous dirigez, on peut reconnaître que c’est vous, notamment par la qualité du son.
C’est le plus beau compliment que vous puissiez me faire.
Je l’ai moi-même observé avec mes élèves. Quand huit étudiants dirigent la même œuvre, le son de l’orchestre change complètement à chaque fois, même sans gestes différents, simplement par leur présence.
Nous avons tous une manière d’être qui nous est propre. C’est comme pour les chanteurs : chacun a sa voix, son timbre. On les reconnaît immédiatement. Pour un chef d’orchestre, c’est plus difficile à expliquer, mais c’est similaire.
La chose la plus difficile est de cultiver sa propre voix. Les jeunes cherchent souvent à imiter : ils regardent des vidéos sur YouTube et veulent faire la même chose. Mais être soi-même, trouver sa propre voix, est la chose la plus difficile.
Moi, j’ai l’impression d’être moi-même quand je dirige. J’essaie d’être le plus honnête possible avec ce que je suis et ce que je pense. C’est peut-être pour cela que les gens reconnaissent mon style.
Vous avez également évoqué la difficulté d’attirer les jeunes. Et vous êtes enseignant.
Bien sûr.
Internet peut être utile…
Oui, mais le problème aujourd’hui, c’est que les jeunes sont sur TikTok, Instagram, et les algorithmes ne favorisent pas la musique classique.
Il y a là un véritable enjeu éducatif, voire politique. Si l’on pouvait faire en sorte que des contenus artistiques et intellectuels atteignent davantage les jeunes, cela aiderait beaucoup.
Je crois profondément en l’éducation. Cette semaine, par exemple, nous avons accueilli de nombreux enfants à l’orchestre. Ils ont découvert Strauss, mais aussi la musique contemporaine, les instruments. Et dans leurs yeux, à 9 ou 10 ans, il y a de la fascination - devant un tuba, par exemple. Peut-être que certains feront de la musique plus tard.
L’éducation est essentielle, et Christina (Scheppelmann, surintendante de La Monnaie) l’a très bien compris.
Y a-t-il encore des œuvres que vous rêvez de diriger ?
Oui, énormément.
Si l’on parle d’opéra, je n’ai pas encore dirigé Die Meistersinger von Nürnberg. J’ai dirigé tous les Wagner sauf celui-ci, et j’espère le faire.
Je n’ai pas non plus dirigé certains grands Britten, comme Peter Grimes ou Billy Budd. Il y a encore beaucoup de répertoire à explorer. Le problème, c’est qu’il n’y a que 365 jours dans une année.
J’ai aussi dû faire des choix : je dirige moins de bel canto italien aujourd’hui, que j’ai beaucoup pratiqué par le passé, comme Donizetti. Je me suis davantage concentré sur le répertoire allemand des XIXe et XXe siècles.
J’ai une question sur Boris Godounov, à l’affiche la saison prochaine. C’est le premier opéra que j’ai vu, à la Scala de Milan, dans les années 80. Quelle est la spécificité de cette œuvre ?
La première chose qui me frappe, ce sont les harmonies. Elles sont profondément russes.
Par exemple, un accord de do majeur, normalement, est do-mi-sol. Mais chez Moussorgski, il manque souvent le mi : il reste do et sol. Cela crée un son plus brut, plus vide, mais très puissant.
C’est pour cela que je préfère la version originale de Moussorgski. Rimski-Korsakov a réorchestré l’œuvre en la rendant plus « occidentale », plus lisse. Mais chez Moussorgski, il y a quelque chose de direct, de brut, que j’aime énormément.
On ressent aussi le folklore russe, surtout dans les chœurs, avec l’influence des chants orthodoxes. C’est très présent, peut-être encore plus que chez Tchaïkovski.
Pour conclure, un mot-clé pour définir votre parcours ?
La curiosité.
C’est quelque chose qui n’a jamais changé. Aujourd’hui, avec Internet, j’utilise beaucoup IMSLP, une sorte de Wikipédia des partitions. Je passe des heures à découvrir des œuvres.
Mais cette curiosité concerne aussi les personnes : rencontrer de nouveaux musiciens, échanger.
Ce qui a changé, en revanche, c’est l’économie des moyens. Avant, j’étais peut-être plus impulsif. Je le suis encore un peu, mais aujourd’hui je suis plus concentré, plus essentiel.
