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| foto di Magali Dougados |
(trailer) di Giovanni Chiaramonte - Al Grand Théâtre de la Ville de Luxembourg, l’Idomeneo di Mozart è apparso in una veste che ha colpito per la sua forza visiva e al tempo stesso per la sua estrema semplicità.
La scena, affidata alla sensibilità di Chiharu Shiota, era costruita quasi interamente attorno a un unico elemento: corde rosse, sospese, tese, annodate, lasciate scorrere nello spazio come vene vive che attraversavano il palcoscenico. Nulla di decorativo: quelle corde non erano un fondale, ma un linguaggio. Ogni volta che un personaggio esprimeva un sentimento - il giuramento tormentato di Idomeneo, la gelosia furente di Elettra, la supplica d’amore di Ilia, l’innocenza di Idamante - il disegno dei fili mutava, si tendeva, si aggrovigliava o si allentava. Lo spettatore aveva l’impressione che le passioni invisibili si materializzassero davanti ai suoi occhi.La regia di Sidi Larbi Cherkaoui (intervista di Fattitaliani) ha trovato in questo dispositivo scenico un alleato naturale. Il coreografo ha concepito l’opera come un grande organismo in movimento, nel quale i corpi dei cantanti e dei danzatori diventano risonanza visiva della partitura. I cori non restano fermi, ma si muovono come onde collettive, prolungando fisicamente l’intensità della musica. La narrazione non si perde mai in orpelli: tutto è rigorosamente funzionale al dramma, e il flusso coreografico, pur continuo, lascia sempre lo spazio necessario al respiro vocale.
La scelta cromatica, ridotta a poche tonalità forti - il rosso del destino, il nero della notte, qualche ombra di blu - ha dato al tutto un’aura rituale. I costumi di Yuima Nakazato, che combinavano rigore geometrico e leggerezza dei tessuti, hanno rafforzato questa atmosfera sospesa tra mito e contemporaneità. Così, la vicenda antica non è mai apparsa archeologica, ma sempre pulsante e attuale.
Sul piano musicale, la direzione di Fabio Biondi si è rivelata limpida e attentissima al canto. L’orchestra ha saputo mantenere trasparenza e nervo, evitando pesantezze e sostenendo con precisione ogni sfumatura emotiva. I momenti cruciali - dall’incipit tempestoso al celebre «Fuor del mar» - hanno respirato con naturalezza, senza mai cadere nello spettacolo virtuosistico fine a sé stesso.
La distribuzione vocale ha confermato il livello alto della serata: Bernard Richter ha dato vita a un Idomeneo intenso, combattuto, capace di passare dalla regalità alla fragilità più umana; Josy Santos ha offerto un Idamante giovane, luminoso, generoso nel fraseggio; Anna El-Khashem ha cesellato un’Ilia piena di dolcezza e verità, sostenuta da un legato di grande purezza; e infine Jacquelyn Wagner ha incendiato la scena con un’Elettra ardente, la cui furia trovava nelle corde rosse una risonanza visiva quasi naturale.
Quello che resta di questo Idomeneo è l’immagine di un’opera antica che diventa corpo presente. La scenografia ridotta a un segno unico - i fili rossi che si tendono, si annodano, si sciolgono - ha dato forma tangibile a ciò che la musica suggerisce: il conflitto tra il destino e la libertà, tra il legame e la separazione, tra l’amore e la paura. È raro che un gesto scenico, tanto essenziale quanto poetico, riesca a rendere così leggibile la partitura interiore dei personaggi. Qui è accaduto, e l’emozione che ne è scaturita è stata autentica.
En Français
foto di Magali Dougados
Un Idomeneo cousu de fil rouge
(trailer) par Giovanni Chiaramonte - Au Grand Théâtre de la Ville de Luxembourg, l’Idomeneo de Mozart s’est présenté dans une version qui a frappé par la force de son langage visuel et par une simplicité extrême. La scénographie, conçue par Chiharu Shiota, reposait presque entièrement sur un seul élément : des cordes rouges, suspendues, tendues, nouées ou laissées à flotter dans l’espace comme des veines vivantes traversant le plateau. Rien de décoratif : ces cordes n’étaient pas un décor, mais un langage. Chaque fois qu’un personnage exprimait un sentiment - le serment tourmenté d’Idoménée, la fureur jalouse d’Électre, la prière amoureuse d’Ilia, l’innocence d’Idamante - le dessin des fils changeait, se raidissait, s’emmêlait ou se relâchait. Le spectateur avait l’impression que les passions invisibles se matérialisaient devant ses yeux.
La mise en scène de Sidi Larbi Cherkaoui (notre entretien) a trouvé dans ce dispositif un allié naturel. Le chorégraphe a imaginé l’opéra comme un organisme en mouvement, où les corps des chanteurs et des danseurs devenaient la résonance visuelle de la partition. Le chœur ne restait pas figé, mais se déplaçait comme une vague collective, prolongeant physiquement l’intensité de la musique. La narration ne se perdait jamais en détails superflus : tout demeurait rigoureusement au service du drame, et le flux chorégraphique, pourtant continu, laissait toujours l’espace nécessaire à la respiration du chant.
La palette chromatique, réduite à quelques tonalités fortes - le rouge du destin, le noir de la nuit, quelques ombres bleutées - a donné au spectacle une aura rituelle. Les costumes de Yuima Nakazato, entre rigueur géométrique et légèreté des tissus, renforçaient cette atmosphère suspendue entre mythe et contemporanéité. Ainsi, le récit antique n’apparaissait jamais comme une relique, mais comme une matière vivante et actuelle.
Sur le plan musical, la direction de Fabio Biondi s’est distinguée par sa clarté et son attention constante aux chanteurs. L’orchestre a su préserver la transparence et la vigueur, évitant toute lourdeur, et soutenant avec précision chaque nuance émotionnelle. Les moments charnières - depuis l’orage initial jusqu’au célèbre « Fuor del mar » - respiraient avec naturel, sans céder à la démonstration virtuose pour elle-même.
La distribution a confirmé le haut niveau de la soirée : Bernard Richter a incarné un Idoménée intense, partagé entre autorité et vulnérabilité ; Josy Santos a offert un Idamante lumineux, généreux dans le phrasé ; Anna El-Khashem a dessiné une Ilia tendre et sincère, portée par un legato d’une grande pureté ; et Jacquelyn Wagner a embrasé la scène avec une Électre incandescente, dont la rage trouvait dans les cordes rouges un écho visuel saisissant.
Ce qui demeure de cet Idomeneo, c’est l’image d’un opéra ancien redevenu corps présent. La scénographie réduite à ce signe unique - des fils rouges qui se tendent, se nouent, se défont - a donné une forme tangible à ce que la musique suggère : le conflit entre destin et liberté, entre lien et séparation, entre amour et peur. Il est rare qu’un geste scénique, aussi essentiel que poétique, parvienne à rendre si lisible la partition intérieure des personnages. Ici, cela s’est produit, et l’émotion qui en est née a été authentique.
